‘Karaoke’, una obra intensa y exploratoria

Martes 06 de septiembre del 2011Arte y cultura

JAIME GÓMEZ-TRIANA PARA EL UNIVERSO

La agrupación guayaquileña Muégano Teatro presentó Karaoke orquesta vacía, dentro de la programación del Festival Internacional de Artes Escénicas de Guayaquil.

Con peculiar intensidad ha llegado la XIV edición del Festival Internacional de Artes Escénicas de Guayaquil 2011 a las aulas y salas del Instituto Superior Tecnológico de Artes del Ecuador (ITAE).

Los talleres, la presentación de los estudiantes de segundo año de teatro y la exhibición de la excelente pieza resultante del trabajo del grupo francés Zo Prod han logrado hacer de ese espacio excepcional de la formación y la experimentación en artes uno de los más concurridos de esta cita. Muestra de ello fue la reciente presentación de Muégano Teatro, recomendada al público por los organizadores del Festival en línea con un concepto que busca abrir nuevos espacios de capacitación y confrontación, abiertos también al crecimiento y la evolución de propuestas de la escena local.

Visto en la edición del 2009 del festival el espectáculo Karaoke orquesta vacía regresa esta vez con un renovado concepto y da cuenta, de este modo, de la vitalidad y compromiso de Muégano, grupo afincado en una tradición que junta la permanente indagación escénica y la arriesgada interpelación social. En ese sentido habría que decir que la necesidad de volver a ver los espectáculos de este grupo es consustancial a su propuesta, ajena a todo facilismo y, por eso, abierta a un sinnúmero de posibles y cambiantes lecturas, lo cual ha permitido a su director y las actrices que lo acompañan regresar una y otra vez sobre el espectáculo.

Un excelente texto del propio Santiago Roldós –director del grupo y de esta puesta en la que también actúa–, la intensidad de las interpretaciones y la limpieza de la propuesta escénica, certera en la alternancia de planos y registros, convierten a la obra en un escarpelo que se adentra en nuestra educación sentimental e intenta mostrar de una vez las causas de nuestra esquizofrenia, ese estado alterado de existencia invisible a los ojos que buscan un rostro en el espejo, un gesto de alivio, una señal.
Acaso la principal fuerza de esta pieza teatral está en esa idea subyacente en el propio título que presupone un espacio enajenado, concebido para la repetición vacía, un refugio cómodo en el que podemos decir: somos el que se divierte, el que sangra, aunque apenas quede tiempo para una transfusión salvadora.

En diálogo también con la tradición brechtiana, Karaoke... muestra el descalabro de la especie. Su estructura descentrada y rota refuerza la idea de una causalidad terrible que oculta sus mecanismos en traslapados monólogos bisturí.

Vista desde lejos la puesta en escena deviene una urgente radiografía de continente, un alarido ante el descalabro de la familia y de la política, un palimpsesto abigarrado y doliente que devuelve nuestra propia faz fragmentada y evasiva, que nos enfrenta al otro y nos incita a proponer otra participación, otra utopía.

Fundar y sostener un teatro y una investigación, convocar al público varios años después del estreno, modificar, alterar, cambiar lo pautado para ir tras lo esencial, más allá de lo inicialmente propuesto, es quizás la mejor evidencia de que aún es el abrazo posible.

Programa

En la función de esta tarde participa la agrupación Flores de Brasil/Francia. Su trabajo se titula Bem me quer.

La cita de hoy es a las 17:00, en la Plaza de Artes y Oficios, en av. Quito y Bolivia La entrada es gratuita.

http://www.eluniverso.com/2011/09/06/1/1380/karaoke-obra-intensa-exploratoria.html

‘Cubalandia’, trabajo por cuenta propia

 JAIME GÓMEZ-TRIANA - PARA EL UNIVERSO  

Cubalandia se llamó la puesta en escena del grupo cubano El Ciervo Encantado. La función se cumplió el pasado sábado, dentro del Festival Internacional de Artes Escénicas 2011.

La apertura en Cuba de nuevas formas de trabajo no estatal constituye el suceso desencadenante de la más reciente propuesta de El Ciervo Encantado. Cubalandia, performance en escena creada por la actriz Mariela Brito, se sumerge en los actuales desafíos de la nación caribeña de una manera que podría resultar totalmente insólita para quienes han seguido de cerca la obra de este colectivo.

Sin embargo, la nueva creación no se aleja en lo absoluto de los postulados que rigen la labor del equipo fundado, hace ya quince años, por Nelda Castillo. Cambia quizás el punto de vista, pero no la manera de escudriñar lo cubano, ni la intensidad de esa indagación, que esta vez, eso sí, asume contenidos más inmediatos y pone en escena un collage de valores traficados.

Lo que en otras puestas de este grupo aparece como exorcismo, planteado desde el dolor y la angustia, en Cubalandia es irrisión, choteo, despelote. Yara La China es una cubana que trasiega mercancías baratas y que es capaz de casi todo para ganarse la vida. Su rostro nos enfrenta a la total disolución del sujeto moral. El referente es, sin duda, la Madre Coraje de Brecht, un ser tensado hasta el límite para que seamos conscientes como espectadores de su propia naturaleza no tan distante de la nuestra.

De este modo Cubalandia se presenta como un teatro político de estirpe brechtiana, en línea con una tradición que el propio Brecht aprendió del gran Karl Valentin.

Fundadora del grupo, Mariela Brito ha desarrollado un nivel de excelencia en su trabajo que le permite afrontar los riegos de una máscara como esta, rayana en lo vulgar, excéntrica y locuaz hasta el delirio.

Tacones, uñas postizas, peluca, maquillaje, un short muy corto y el ombligo afuera arman un ser del que también forman parte el celular, el universo sonoro-danzario del reggaetón, y las protecciones que representan de un lado Fidel y Raúl Castro y del otro el indio tradicional que hace parte de nuestra religiosidad popular.

Una pauta fija relacionada con los objetivos del personaje –lograr clientes para sus ofertas de excursión a la isla caribeña– y una total libertad para improvisar, siempre sacando partido de la comunicación viva con el espectador, completan el trabajo. No hay descanso para la actriz, pero tampoco apoyaturas.

A cada instante la máscara pide más de ella, la pone más en riesgo, la obliga a mirar a los ojos de la gente. Mariela Brito hace de su propio cuerpo el escenario del conflicto.

Su creación abre un grupo de interrogantes sobre el sujeto y su relación con el medio. La actriz camina por el filo de una navaja. Vender un país es, sin duda, un acto desesperado de supervivencia.

Lo que se queda

El Festival Internacional de Artes Escénicas Guayaquil 2011 inició obsequiando a la ciudad una escultura en metal a cargo de los artistas del colectivo Zo Prod, de Francia.

Unos días antes las aulas del ITAE habían acogido el taller de la directora cubana Nelda Castillo, dirigido fundamentalmente a actores y bailarines profesionales y, finalmente, en la tarde del viernes, Muégano Teatro y el Laboratorio de Teatro del ITAE presentaron su segundo ejercicio escénico del año, una puesta esperanzadora en tanto hacía visible la entrega de los más jóvenes y su compromiso artístico y social, lo que es quizás una excelente noticia sobre el futuro. De este modo el festival ratifica su solidez como espacio cultural de la mayor trascendencia, capaz de adecuarse a las necesidades del contexto y siempre ocupado en fundar el porvenir.

* Crítico teatral cubano

Festival

Barrio caleidoscopio es la propuesta escénica que ofrece esta noche el grupo ecuatoriano Teatro de la Vuelta.

Su presentación es a las 20:00, en la sala Experimental del Teatro Centro de Arte (km 4,5 vía a Daule). Entrada: $ 10.
http://www.eluniverso.com/2011/09/05/1/1380/cubalandia-trabajo-cuenta-propia.html

SANTIAGO ROLDOS

El Festival Artes Escénicas Guayaquil tiene una historia relevante que contar. En sus escenarios se han presentado algunos de los más importantes grupos del teatro latinoamericano reciente y actual. Desde las obras del Malayerba hasta las del Ciervo Encantado, este festival puede exhibir un currículum, si no impecable (pues por naturaleza “festival” remite a una muestra o panorama de la diversidad), seguramente sí muy relacionado con la necesidad de un público urgido de una mayor vitalidad escénica.

Decía Fernando Mieles, en una ocasión, que en Guayaquil un@ siempre tiene la sensación de que todo está siempre empezando.  Como si en materia artística o cultural las cosas nunca acabaran de arrancar. Hoy día, además de la película de Fernando, y de muchas otras iniciativas que están en desarrollo, celebramos la llegada de la decimocuarta edición de este festival desde el contexto de una generación donde las cosas se han movido y se están moviendo.

Puede parecer paradójico que este festival se consolide a partir del momento de la crisis de Sarao, grupo o espacio al que siempre había estado vinculado. Pero en el arte “crisis” es a la vez sinónimo de y condición para que se produzca esa vitalidad e intensidad escénica, aun cuando no lo tengan tan claro, tan demandadas por nuestras espectadoras y espectadores.

Zona Escena, dirigida por Jorge Parra, y gestionada en gran medida a partir de su propio Laboratorio de Danza, encontró un espacio de colaboración, auto conocimiento y posibilidad de indagar en los límites de su propia transgresión en el ITAE. La relación de los festivales con los procesos creativos y experimentales de la escuela se ha ido labrando en un devenir casi natural, pues nuestr@s estudiantes son l@s más comprometid@s espectador@s de estos encuentros.

Esta es una parte importante sobre todo porque el festival espera y anhela poder irradiarse y relacionarse con otros espacios que asuman seriamente la investigación y la crisis permanente que el arte escénico es. Se trata de una peculiar contribución a que nuestra escena viva, delire, piense, divierta, cuestione y lata. Que dé mucha lata.

Estamos entonces frente a un paso más en una historia de maduración de un evento que, junto a la presentación de algunas grandes obras, pretende sobre todo dejarnos algunas grandes preguntas. Muchas gracias por eso.

Santiago Roldós

Co director del Muégano Teatro y del Laboratorio de Teatro del ITAE

BERTHA DÍAZ

Festival Internacional Artes escénicas Guayaquil
XIV FIARTES-G 2011   -del 1 al 11 de septiembre -

En su décimo cuarta edición, el Festival Internacional de Artes Escénicas, capítulo Guayaquil, refleja –a través de su programación, pequeña, pero consistente- que el tiempo le ha permitido crecer y diversificarse, en la medida que la escena contemporánea también se amplía y renueva; es decir, que el Festival demuestra que ha asumido como misión mantenerse al día con las preocupaciones y los replanteamientos latentes en las prácticas escénicas, para así, conectar al público local con esas nuevas inquietudes, necesidades e indagaciones de la creación teatral, pensada en su más amplio espectro.

Este año, durante los 11 días en que se desarrollan las jornadas, el público será partícipe de diversas propuestas que cohabitan en la escena contemporánea. Habrá lugar tanto para muestras de trabajos que se edifican desde lenguajes más puros, como la obra de Teatro del Cielo (Cuenca, Ecuador), ‘Bruma’, enarbolada a partir de la exploración del mimo corporal; como para otros en las que el público bien podría preguntarse, por ejemplo, ¿qué son las artes escénicas?, o ¿qué es lo que cabe en esta categoría? Este es el caso de Zo Prod (Poitiers, Francia), cuyo trabajo denominado ‘Konstructors’, consistirá en una instalación performática realizada en un espacio abierto; en esta propuesta, el trayecto de creación en sí mismo es la obra, y no su resultado. Asimismo, el Festival inaugura un espacio en el que da cabida a trabajos en proceso. Los estudiantes de segundo año de la carrera de teatro del ITAE, inaugurarán esta arista con un ejercicio denominado “Teatro para-de-desde-contra principiantes”, que está en fase de exploración. 

La multiplicidad de propuestas inevitablemente ha demandado, también, en esta edición, la diversificación de los lugares de su desarrollo, pues las dramaturgias contemporáneas  encuentran en el espacio un cómplice necesario para  completar su sentido. Durante estas jornadas el público que quiera seguir todas las funciones, tendrá que moverse entre el Malecón 2000, la Plaza de Artes y Oficios, el Laboratorio de Teatro del ITAE y el Teatro Centro de Arte.

Debido a que las nociones de teatro se han puesto en cuestionamiento en mayor medida en esta edición; así como se han fragilizado y se han reelaborado, pues la escena contemporánea se precipita ante nosotros como un universo corporal, visual y sonoro tan amplio, híbrido, conflictual y múltiple, el Festival Internacional de Artes Escénicas, ha tratado también de profundizar su rubro de formación. La presencia de Nelda Castillo, del grupo El Ciervo Encantado; y de Jaime Gómez, investigador y crítico teatral, ambos cubanos, en seminarios especializados (de práctica actoral y teórico, respectivamente) que se desarrollarán en paralelo a las funciones, demuestran esta necesidad.

El Festival Internacional de Artes Escénicas, entonces, llega a su cumpleaños número catorce, con mucha vitalidad, con el deseo ferviente de seguir creciendo en inquietudes, de seguir haciendo camino al andar, de permitirnos a los amantes de las artes, contar con un espacio de encuentros, de diálogos, de debates y de mucha alegría.

Bertha Díaz

THE RADIO SHOW - EEUU.

The radio show entre la memoria y el levante

Por Noel Bonilla-Chongo  para El Universo

Gratificante ha sido en este cierre de Fragmentos de Junio, disfrutar en The radio show, la complicidad tejida entre cuerpos tecnificados, silencios y estridencias de una banda sonora referencial en la manera de armar las diferentes partes de la pieza coreográfica. Nos cuenta su coreógrafo que el haber crecido escuchando la emisora local de su pueblo, creada y dirigida por su padre, lo dotó por un gusto musical tan disímil, como un show de variedades. Y en verdad, sobre esta “hoja de vida” familiar, se levanta la estructura coreográfica que atraviesa de principio a fin la propuesta.

La gran sala del Teatro Centro de Arte se transformó en una suerte de cinta magnética donde el ruido, el corte, el crescendo y ralentización de movimientos y sonoridades posibilitaban la emergencia de una atmosfera muy particular, a ratos figurativa y casi siempre alusiva, sugerente, propositiva, etc.

The radio show, vino también para hacer notar el tino curatorial de los organizadores de Fragmentos de Junio, la disparidad temática y espectacular de las propuestas que incluyeron la muestra del festival, nos hablan de las herencias de nuestras danzas. Del cómo el llamado abstraccionismo de la danza norteamericana se entronca con varias zonas de la creación dancística latinoamericana y, cómo en los aportes de aquellos creadores referentes, en nuestros contextos hemos sabido hacerlos dialogar sin copia burda ni chovinismo pacato.

La proposición de la compañía Abraham.In.Montion, ratifica el hecho de que la danza de este momento debe trastocar la intención anquilosada de resolverse desde la introvertido y endogámico, sino que el creador siendo un visionario, si bien parte de sus historias de vida, de sus obsesiones y referentes, debe tener la generosidad creacional de dilatar sus límites y fuentes para abrazar horizontes más amplios y plurales. Significando que será siempre el hacer del lector-espectador quien dicté y ordene la manera de acercarse a aquel cuerpo en juego que no cesará de gemir, saditando lo conseguido para abrirse a los “desconocido”.

ZONA ESCENA - TCA - PREMA (ECUADOR)

Danzar más allá de tendencias y estilos

Por Noel Bonilla-Chongo

Estimulante ha sido en estos días de Fragmentos de Junio, los encuentros azarosos y otros pactados en los corredores de los teatros, en los salones del ITAE o en las calles de la ciudad. Discusiones sobre el universo que ampara la creación del arte escénico en la contemporaneidad, han movido el pensamiento creativo y la reflexión más antojada. Lo cierto es que, más allá del fundamento y conceptualización que el artista encuentre para sustentar sus puntos de vista y maneras de entender el comportamiento sobre la escena coreográfica, no hay una visión unívoca que privilegie un estilo o tendencia. Mérito al equipo curatorial del Festival por orquestar una programación tan desemejante, como encontrada.

El espacio que compartieran en la Sala Experimental del Teatro Centro de Arte (TCA), las agrupaciones Zona Escena con el dueto Epístola final de un sueño, con coreografía e interpretación de Jorge Parra, acompañado por la potente bailarina Michelle Mena; el trabajo grupal del conjunto PREMA de la Universidad de Manta y la presentación de To stray,  pas des deux (aun en proceso) de la Compañía del TCA, operaron como catalizadores de la diversidad de tendencias.

Hubo en los duetos de la noche una interconexión temática: la pareja como sitio de encuentro y desencuentro. Por caminos y modos distintos, las proposiciones guayaquileñas calan en aquellas manías que tenemos para reclamar la atención del otro. Cómo, al percibir que se nos agotan las peripecias para seducir y conquistar el amor que no siempre es recíproco, nos volvemos inconmensurablemente lelos, violentos, temerosos. En Epístola…, la partida, el adiós, el señuelo aparente, la persistencia, valen para diseñar movimientos y jugadas de planos cortantes, convulsivos, denotativos en sus cargadas y poses. Un cuerpo que se muestra tal cual en la intimidad de los dos, mixtura terca y frágil, ansia y quebranto.

Mientras tanto, en la coreografía de Mónica García para PREMA, la artista manteña explora en la materialidad de la madera, de la fibra, del agua que, aunque no visible en escena, tamiza la dinámica de adaptadores y emblemas gestuales. Danza donde lo acrobático y el despliegue técnico jerarquizan un discurso que indaga en raigambres y circunstancias locales, comunales. Un colectivo de bailarines jóvenes con expeditos deseos de mostrarse sin recelos.

Después de haber compartido con los artistas, seguro que nuestras porfías en torno a la praxis (creación, análisis, pedagogía, etc.) de la danza hoy, amplificará sus basamentos. Y es que, asistimos a la construcción (entre todos) de un paradigma desmarcado en sus márgenes. El arte coreográfico del presente no puede seguir pensándose como “flujo continuo de movimiento” o como artificio hedonista del cuerpo en el espacio. El arte dancístico demanda de un cuerpo físico y mental que sea testigo de su trazo por las coordenadas de la vida cotidiana, esa que está habitada por sufrimientos y gozos, por caídas y levantadas (como la sugerida en “aquella” epístola de despedida); por aquellos legados y omisiones que nos definen y condicionan. Solo me basta, en tanto creador, apostar que mi arte ha sido generado desde la necesidad intencionada de decir algo, con la suficiente sapiencia para manipular y trocar las reglas del juego. Entonces, bien vale danzar más allá de las tendencias y los estilos.

VILLADANÇA/BRASIL Y U.DE CUENCA

Danzar…,sin privilegios de tendencias ni estilos

Por Noel Bonilla-Chongo

Estimulante ha sido en estos días de Fragmentos de Junio, los encuentros azarosos y otros pactados en los corredores de los teatros, en los salones del ITAE o en las calles de la ciudad. Discusiones sobre el universo que ampara la creación del arte escénico en la contemporaneidad, han movido el pensamiento creativo y la reflexión más antojada. Lo cierto es que, más allá del fundamento y conceptualización que el artista encuentre para sustentar sus puntos de vista y maneras de entender el comportamiento sobre la escena coreográfica, no hay una visión unívoca que privilegie un estilo o tendencia. Mérito al equipo curatorial del Festival, quien ha orquestado una programación tan desemejante, como encontrada.

Y es que, al repasar la praxis (creación, análisis, pedagogía, etc.) de la danza hoy, se requiere partir que asistimos a la construcción (entre todos) de un paradigma desmarcado en sus márgenes. Dicho de otro modo, el arte coreográfico del presente no puede seguir pensándose como “flujo continuo de movimiento” o como artificio hedonista del cuerpo en el espacio. El arte dancístico demanda de un cuerpo físico y mental que sea testigo de su trazo    por las coordenadas de la vida cotidiana; esa que está habitada por sufrimientos y gozos, por caídas y levantadas, por aquellos legados y omisiones que nos definen y condicionan. Solo me basta, en tanto creador, apostar que mi arte ha sido generado desde la necesidad intencionada de decir algo, con la suficiente sapiencia para manipular y trocar las reglas del juego.

Compañía Viladança, Brasil:

Las adversidades que rondan el vivir, como travesía sobresaltada y pavorosa, vendría a ser el núcleo que centra la tensión dramática de José Ulises Da Silva. Pieza que consigue, como pocas, remedar conflictos ordinarios de nuestras existencias en una atmosfera altamente contenida de ocaso y límites. Eficaz dramaturgia sonora que va tejiendo una densidad de apariencias y comportamientos; texturas y diseños de vestuarios que delatan la fragilidad de un mundo cruel, veloz, implacable. Entonces, coreógrafa y danzantes trenzan un baile que se torna máscara y rostro, denotando una red de interconexiones que reposan en la introspección de un relato indistinto en  sus contornos.

Quizás en la manera “íntimamente pública” del vocabulario coreográfico escogido por la compañía de San Salvador de Bahía, esté el posible ruido semántico que provoca la pieza. Ante ella, no nos queda duda del alto nivel de compromiso con que sus intérpretes asumen la defensa del discurso, nada queda suelto en  José Ulises Da Silva. Incluso, la asociatividad que temáticamente aquieta la estructura profunda del relato, al remitirnos a Ulises y su eterno retorno, nos emparenta con el camino que termina, con la zozobra, al tiempo que nos ilumina para pensar que un mundo mejor es posible.

Compañía Danza Universidad de Cuenca:

Al centro de la pluralidad de vocabularios y gramáticas coreográficas que refería al comienzo de estas notas, situaría La pared, obra de la autoría de Cristina Bustos que, también pudimos compartir en la Sala Experimental del Teatro Centro de Arte.

Si bien la obra de Brasil peca de su excesivo hermetismo y cofradía, la pieza cuencana se pasea por el lado extremo de la cuerda. Hay en La pared, un retruécano regodeo en formas más que transitadas en la escena coreográfica. Atención, no por llevadas y traídas se desnaturalizan su posible aporte dramático, pero sí se vuelven inoperantes sobre la estructuración de los hechos y la manera en que estos se articulan con las partes de la coreografía. Ventura aparte merece la motivación de especular sobre el movimiento danzado como fuente generadora de la presencia del bailarín en el espacio danzante. El cómo la supuesta cotidianidad del movimiento y del comportamiento van capitulando la manera de diseñar un gesto, una frase o una secuencia coreográfica, lamentablemente se queda sólo en el esbozo, no conectando otras zonas y mecanismos que hagan desplegar eficazmente la ordenación del material escritural.

La pared sigue una estructuración de caótica (no por ello retraída e infeliz) de los múltiples recursos expresivos que coexisten en la escena. Presumo que el proceso de indagación para la escritura de la pieza demandó búsquedas y training específicos para enunciar parlamentos, para trabajar la acumulación gestual, la pasarela, la manipulación y amplificación de la frase, etc., no obstante es evidente que algo quedó desligado del proceso, más allá de los accidentes evitables de objetos mal colocados y tomados al azar.

Conversando con los artistas de La pared, me queda clara su vocación por el diálogo, la escucha y, sobre todo, el deseo de conquistar una danza que se distancie de lo ya conseguido y que mueva otras preocupaciones formales e ideológicas. Sus cruces con artistas como el brasilero Marcelo Evelin, la concurrencia a las convocatorias de la quiteña Tania Guayasamín o la generosidad de mostrar su trabajo en Fragmentos de Junio, revalidan la condición de que la danza debe ser registro del paso de sus mujeres y hombres siempre que los mueva la voluntad de re-cualificar nuestros posicionamientos y miradas.